De la mano de Barry Miles, protagonista desde adentro del ambiente artístico de los 60, llega este excelente libro acerca de Paul, el mejor de McCartney y uno de los mejores en general acerca de la banda. Cuenta cronológicamente (y realmente desde adentro) toda la historia de los Beatles desde 1957 hasta 1970 siempre desde la visión de Paul y Miles.
Aunque parezca extraño, Miles tuvo una influencia bastante importante en la banda ya que era el dueño de la Galería Indica en donde John y Paul eran asiduos clientes. Por ejemplo, Miles cuenta que fue él el que le dió a John la copia de El libro tibetano de los muertos que posteriormente lo inspiró para la letra de Tomorrow never knows.
El libro en general está planteado desde la visión de Paul lo que seguramente no es muy amistoso para los anti-McCartney o los que creen que Paul fue el responsable de la disolución del grupo. No solo que Paul se adjudica casi el 95% de las canciones como autoría en cierto punto (cosa que no niego) sino que sale bastante ileso de las peleas finales de la banda (dejando a Allen Klein y Yoko como enemigos nª1).
Como había dicho anteriormente en otras reseñas, la gran mayoría de lo que se dice o habla acerca de los Beatles y alrededores está basado en este libro entre otros. Sorprende la claridad de los recuerdos de Paul y como los relaciona constantemente cronológicamente. De acá salen la mayoría de las historias acerca de las canciones (hay un apartado acerca de la composición que van recordando disco por disco) y las impresiones de Paul acerca de grandes hitos, que posteriormente son leyenda; lease la composición de Yesterday y Scrambled Eggs, de donde salió la inspiración para Eleanor Rigby, la inspiración para Sgt. Pepper entre otro.
Para cualquiera con ganas de leer acerca de Paul y de la banda en general, el libro es una joya que no escatima para nada en detalles. Posiblemente tenga la mayor cantidad de información que puede haber (y realmente sorprende la memoria de Paul) acerca de la primera época de la banda (57-62) y como su relación con John. Además pone en contexto de una manera grandiosa a McCartney en todas las etapas y se puede llegar a entender el como y el por que de muchas cosas. Miles también aporta lo suyo y cuenta detalles del ambiente de la época constantemente, con personajes importantes para la banda como Peter Brown, Magic Alex, Brian Jones, Marianne Faithfull entre otros. Miles a veces se explaya un poco mucho con toda la gente artística alrededor de la banda, no es necesario estar dos capítulos introduciendo gente que apenas tiene relación con Paul.
Sorprende toda la etapa en la casa de los Asher, una época que nadie más contó y que influyó fuertemente a Paul en todo lo que hizo para la época junto con su refinamiento musical, su relación con la familia Asher, como Paul varios años antes que todos ya estaba interesado en música de vanguardia experimental, y como se enojó (en cierto modo) cuando luego de Revolution 9 lo dieron a John como el "experimental".
Estas, entre otras muchas, son las cosas que se pueden encontrar en este maravilloso libro que ahonda como ninguno toda la historia de los fab four. No hay libro que vaya más adentro, con tanta cantidad de detalles y cronológicamente tan bien. Claro que está contado desde la visión de Paul, y para captarlo como corresponde hay que querer a Paul. Aunque eso no es problema, todos queremos a Paul
4 de octubre de 1963: Paul junto a la banda se preparaban para salir a escena, iban a aparecer en el programa "Ready, steady, go!" en una de sus primeras presentaciones en vivo, hasta el momento la más importante.
27 de febrero de 1967: Paul junto a la banda estaban en pleno proceso de grabación de Sgt. Peppers, preparados para ensayar "Lucy in the sky with diamonds", de John al día siguiente.
4 de octubre de 1963: Tocaron (si se puede llamar así a hacer la mímica) 3 temas ese día: Twist and shout, I'll get you y She loves you.
27 de febrero de 1967: Sgt. Peppers iba tomando forma, ya tenían grabado varios temas: Sgt. Peppers, A day in the life y Lovely Rita, necesitaban más.
27 de febrero de 1967: Después de terminar Lovely Rita, Paul se juntó con John a componer algún tema nuevo para Sgt. Peppers. La inspiración en este caso vino del diario, particularmente de un artículo.
4 de octubre de 1963: Sin disimular el poco interés que tenía sobre el concurso, Paul elige como ganadora a la cuarta chica, la que mejor bailaba y la más linda.
27 de febrero de 1967: El artículo hablaba sobre una chica que "lo tenía todo" pero que aún así había abandonado su casa sin dejar rastro. Los padres pedían ayuda desesperados para encontrar a su hija.
27 de febrero de 1967/4 de octubre de 1963: En una increíble coincidencia del destino, la chica en ambas historias era la misma; Melanie Coe.
A Hard Day's Write, de Steve Turner, uno de los libros más conocidos acerca de la discografía de la banda. El libro analiza las influencias e historias que marcaron cada composición de los Beatles, cronológicamente y en el contexto de cada álbum. Tuvo "cierta" autorización de parte de Paul que
corrigió ciertas cosas pero no quiso formar parte del proyecto en realidad como en realidad Steve Turner hubiese querido.
Es uno de esos libros, como dije anteriormente, que son recopilación de otros autores de la banda que es de donde sale la fuente original (Lewisohn, McDonald, Barry Miles). Para los que leimos a todos los autores anteriores, no varía mucho con respecto a lo que cuentan ellos, sino que es una buena recopilación de cada uno de los temas y el por qué de su composición. En temas icónicos (Strawberry Fields, Yesterday) no aporta mucho en realidad porque ya estuvo todo más que dicho pero es muy interesante en ciertos temas de los cuales quizás no hay mucha información y Steve Turner enfatiza particularmente. Lo mejor del libro sin duda son las investigaciones y entrevistas hechas específicamente para este libro, por ejemplo a Lucy (la del cielo con diamantes), Melanie Coe (que escapa de su casa, inspiración para She's leaving home), Iris Caldwell (que tenía 17 cuando Paul compuso I Saw Her Standing There, you know what I mean). Además incluye una versión extendida que analiza también el Live at the BBC y el Anthology, cosa que nos quedamos las ganas de leer con Revolution in the head.
Para los enfermitos como uno no es un libro esencial que aporte más de lo que se dijo en otros lados, pero trae datos muy interesantes y entrevistas geniales que valen la pena tener, además de muy buenas fotos bastante inéditas que acompañan genial. Para cualquier fan de la banda promedio, es un libro muy bueno que introduce a cada canción y permite saber un poco más y poner en contexto todos los temas. Lamentablemente no está en castellano.
Baby You're a Rich Man fue el lado B de All You Need Is Love, uno de los más exitosos. Fue lanzado en 1967, plena época del verano del amor, cuando los hippies que eran todavía un reducido grupito de locos simpáticos para la opinión pública. Paul viajó en esa ocasión a San Francisco y le simpatizó mucho el modo de vida que llevaban. No fue lo mismo con George, que los repudió bastante y les cayeron bastante mal.
El tema preguntaba qué se siente ser una de esas "personas hermosas" (o
más bien "gente linda"). "Those beautiful people" eran justamente estos hippies, llamados así porque según ellos "todo en el mundo era lindo". Unas semanas después del lanzamiento de la canción, la revista británica Disc and music echo publicó un artículo titulado This is how it feels to be a beautiful person que procedió a responder que se siente ser una de esas personas.
Aquí la traducción:
Asi se siente ser una de esas personas hermosas
La gente linda ha existido por años. No tiene nada que ver en como vistes o la ropa que llevas. Es lo que ocurre en tu mente y tu planteo con respecto a la vida. La gente hermosa, como frase, ha cobrado ímpetu el día de hoy debido al "flower movement", los hippies emergentes, Sgt. Peppers y los Beatles.
Pero incluso el hippie más hippie seguramente ha tenido algunos pensamientos malvados y algunos sentimientos no de los mejores. Ha sido rudo, insensible y desconsiderado. Sin darse cuenta de las cosas a su alrededor.
Incluso si no llevas caftanes, collares y anteojos de abuela, tranquilo, todavía puedes ser una de esas personas lindas. Lee lo siguiente y descubre cómo.
Eres hermoso si:
-Te gusta bailar en la hierba fría descalzo (incluso si no hay quenas y el pasto es el de tu jardín);
-Leiste "El Hobbit" o "El señor de los anillos" de Tolkiens y amas a Bilbo Baggins;
-Has visto el alba y te has dado cuenta de que estaba pasando;
-Sueñas
-Amas a tu perro, al cartero, al hombre ciego que vende fósforos en la esquina, a tus vecinos (uncluso cuando golpean las puerta por poner Sgt. Peppers al máximo volumen);
-Detestas las guerra, el gobierno, lo anti-pueblo;
-Crees que el interior del país es lo más y quieres ser salvaje;
-Disfrutas chapoteando en la lluvia, riendo, los niños, los colores, la poesía, la gente;
-Rechazas pisar hormigas, arañas y escarabajos;
-Sabes de donde viene "Granny takes a trip";
-Le das una margarita al policía que te dice que tu fiesta es muy ruidosa, te saca de la terraza cuando estás simplemente viendo la vista o te tira de los pies en una protesta;
Después de una serie de posts pro-McCartney vuelve la reivindicación de John con una de sus mayores obras; If I Fell. Originalmente compuesta para suplir la cantidad de canciones necesarias de película de A Hard Day's Night parece mentira que fuese escrita "a las corridas" teniendo en cuenta la complejidad que el tema tiene. Más tarde el mismo John diría que fue una de sus mejores canciones y de las primeras en las que reflejó sus emociones.
A Hard Day's Night es el disco "más Lennon" de todos (10 de los 13 temas son de él) y si bien Paul alegremente habla en plural cuando dice "la escribimos" en su biografía Many Years From Now, me aventuro a decir que es una canción completamente de John. Esto se ve clarísimo en el bellísimo demo de John tocando la canción acústica en donde se ve que ya la tenía bastante cocinada previo a llevarla al estudio. En el demo mismo, canta la parte alta del coro (la que en el disco canta Paul) pero no llega a cantar el Sol más alto de la canción (el "vain" de "was in vain..") así que termina dandole la parte del coro a Paul. Lo gracioso es que en la versión stereo.. Paul tampoco llega al segundo vain y se escucha como se le quiebra la voz en la nota alta.
El demo de If I Fell, muy curioso como canta en 1:30 un pequeño "oh-oh" después usado en Imagine, 7 años después
Musicalmente es bellísima y de sus puntos más altos de la primera época. Su estructura se podría entender como puente - estribillo (repetido hasta el final). Empieza con unas estrofas iniciales bastante irregulares musicalmente (Mibm - Re - Reb - Sibm) que dejan desorientado a cualquier oyente con respecto a la tónica aunque rapidamente y sin tiempo de pensar ya pasa al estribillo principal y afirma el re como el tono principal de la canción. Acá es donde entra la banda y principalmente Paul, que intercala la voz principal con John, que canta la armonía baja aunque ambos cantan cosas totalmente diferentes. Notar que, por ejemplo, el I must be sure.. es cantado por los dos y con la misma melodía. En este sentido es bastante parecido a There's a place, ambos tienen una melodía distinta que cantan simultáneamente y se encuentran en cierto punto (en el When I'm alone en su caso). Las dos melodías se van intercalando, se encuentran en cierto punto para poder armonizar los acordes correctamente pero son en todo momento dos melodías diferentes. "If I give my heart" es cantado por John con las primeras cinco notas de la escala de re mayor mientras Paul canta en su relativa menor (si menor) lo que da un efecto bastante particular. La primer estrofa/estribillo termina con un corte en cuarta menor, dando a entrever timidamente lo que vendría en la segunda en donde en cierto punto, ambas se encuentran para cortar con la estrofa repetitiva con un Re7/9 (when she learns we are TWO) y empiezan a aumentar juntas en tercera desde Lam a Sol: cause (Lam) I (Sim) could(Do)n't (Re) stand (Mim) the (Fa#m) pain (Sol) y John bajando medio tono en el Sol causando un Solm en "and I", un hermoso acorde de cuarta menor, del cual sube nuevamente solo que esta vez desde la cuarta menor y todo sobre la escala de.. ¡sol menor!: would(Solm) be (Lam) sad (Sib) If (Do) our (Rem) new (se puede entender como Mim disminuido)love (Re) y termina en un La7 en was in vain. Este recurso de subir en el acorde de cuarta menor es maravilloso, y si bien es bastante sutil da la sensación de la tristeza que particularmente transmite esta frase. La canción pasa a este estado de acorde menor JUSTO en la palabra "pain", y se mantiene ya que pensar que un nuevo amor será en vano es triste para John, sin embargo ya el "espero que veas que me encantaría amarte" vuelve sobre una melodía mayor. Hermoso, sutil y una genialidad. La última estrofa finalmente termina en la tónica (el último when she learns we are two) dando una sensación de alivio final, aunque para rematarla todo termina con una magnífica frase final, nuevamente en cuarta menor.
20th Century Greats: The Beatles, a musical appreciation and analysis
Howard Goodall es un importante músico, compositor y presentador de TV inglés dedicado enteramente a la difusión de la música. Tuvo varios programas de televisión, muy interesantes todos, en donde en formato de documental presentó grandes hitos de la historia de la música. En 2004 estrenó "20th Century Greats", dedicado a presentar y analizar en cuatro episodios los que para Goodall fueron los artistas y compositores más grandes del siglo: Lennon/McCartney, Cole Porter, Bernard Herrmann y Leonard Bernstein.
El documental me parece magnífico y la manera más fenomenal y práctica de entender realmente la genialidad de la banda y de las composiciones. No sé si es mucho pero lo considero uno de los mejores análisis que se puede hacer sobre la banda: el estrictamente musical. Porque toda opinión siempre puede ser subjetiva pero nada puede rebatir los ejemplos musicales. Goodall desmenuza pequeñas cosas de las canciones y explica detalladamente el por que de la genialidad de la banda con ejemplos prácticos e intenta explicar por que Los Beatles fueron la banda más importante del siglo y por que están a la altura de los grandes compositores de la historia. Todo esto sin caer en el porque si. Parecido a lo que intento hacer con el blog. Todo esto tiene muchisimo más valor teniendo en cuenta de quien viene, un compositor ortodoxo, estudioso de la música clásica, que compara a la banda con los más grandes compositores de la historia.
Tres ejemplos bastante claros y precisos que muestra Goodall para entender adonde va este documental:
-El uso de séptimas en Hey Jude, y como Paul fuerza la canción con el Fa séptima(and anytime you feel the) que mantiene la tensión y que nos lleva a querer llegar al próximo acorde, para finalmente descansar justo en un Si bemol, justo en la palabra pain. "It's magic, there's nothing accidental about good composing" dice Goodall.
-Las constantes modulaciones en Penny Lane, y como Paul las maneja perfectamente y pasan de manera muy sutil. Primero, la modulación en el final del verso que baja el estribillo un par de tonos. Como oyentes nos acostumbramos a esta técnica, pero gloriosamente el ultimo estribillo no está modulado para abajo dejando un resultado increíble (comparar los estribillos de 0:35 con el de 2:33) Es curioso como Goodall resalta Penny Lane como la gran canción acerca de las memorias de la infancia y, si bien Strawberry Fields Forever es tratada resumidamente al final, a Howard le cuesta ocultar su constante admiración a McCartney como compositor. Como pasa en este blog.
-La hermosa melodía de Child of Nature (que posteriormente terminaría siendo Jealous Guy) que deriva completamente de la escala pentatónica India, una composición casi subconsciente por parte de John, que después de esta época empezaría a desarrollar melodías mucho más completas y sofisticadas (lo cual Goodall le atribuye a Paul también)
Hay dos impedimentos para verlo como debe ser: para poder entenderlo
bien bien hay que manejar un nivel básico de teoría musical (aunque Goodall
se esfuerza bastante en poder explicarlo para todos) y está
exclusivamente en inglés, nadie se animó a traducirlo. Si no es
obstáculo ninguna de estas dos cosas, no tiene desperdicio.
La premisa de este documental es parecida a la del blog; poder redescubrir realmente a los Beatles como banda especialmente desde el sentido musical, que es en donde innovaron más y que, a mi parecer, hasta el día de hoy siguen bastante infravalorados en ese sentido. El documental es obligatorio para todos los que realmente sentimos que la música de los Beatles va mucho más allá y entendemos el nivel de complejidad en las composiciones.
Feliz cumpleaños al más grande de todos los tiempos ¡Gracias por tanta magia, querido Paul! Lo celebramos con tres versiones de Birthday:
La primera, de su (extraña) gira de 1990 en donde la toca en un bajo Yamaha de 5 cuerdas, bien ochentoso como no podría ser de otra manera. Cabe destacar que es la primera vez que toca el tema en vivo.
La segunda, junto con Ringo en la batería festejando el cumpleaños de él, con Yoko en la platea. Paul se la banca como un campeón en la voz principal sin ningún coro que lo acompañe. Lo más cercano que vamos a ver a los Beatles en vivo con un emotivo abrazo final entre ambos.
La tercera, hace menos de una semana, el 12 de junio de 2013 en el programa The Colbert Report haciendo una versión más clásica, impecable como siempre.
Los sesentas fueron una época aún no-globalizada y debido a esto cada país prefería sacar "su" compilado especial con la traducción correspondiente y su "compilado" arbitrariamente elegido para cada país (como si pudieran elegir que canción corresponde más a cada lugar). Es así que hoy por hoy hay casi una discografía por país.
Este desmadre total de lanzamientos hizo que el día de hoy tengamos cientas de publicaciones y de discos diferentes para cada país. Curiosamente, en los principales paises (especialmente en Estados Unidos, donde los derechos los tenía Capitol) las publicaciones se volvían a mezclar y regrabar, por lo que generalmente hay algunas pequeñas diferencias a las versiones originales que conoce la mayoría (hoy por hoy está "estandarizada" la discografía británica que me parece la más razonable).
La tapa de la imagen que se ve arriba corresponde a "Beatlemania!" el
primer album que salió en Canadá en el '63 y que incluía canciones de With The
Beatles principalmente. Extrañamente fue editado previo al compilado de
Please Please Me (llamado Twist and Shout!). Posteriormente en el '68 se editó "Meet the Beatles!" que era el compilado original que había salido en Estados Unidos en 1964, el que inició la Beatlemania.
Si bien la carrera posterior de todos los integrantes de la banda fue
bastante productiva, es claro que no fue tan buena como lo fue en
conjunto. A pesar de haber pasado un buen par de años separados Los
Beatles seguían dando frutos a todas las empresas que contractualmente
seguían exprimiendo su material. Esto fue evidente ya que en los 70s se relanzaron algunos singles nuevamente probando suerte e intentando rememorar el éxito de la banda.
Este fue el caso de Meet the Beatles! que fue reeditado en 1977, 14 años luego del lanzamiento original. Fueron 14 años de muchisimos desarrollos técnicos por lo que, obviamente, no podían presentar el mismo material que en el '63. Por dicho motivo Capitol decidió re-mezclar el álbum, al menos para disimular alguna diferencia.
Se ve que en esta remezcla por algún motivo se enviaron las cintas incorrectas a publicar y sucedió esto. En el minuto 2:07 de Don't Bother Me se adelanta diciendo un "don't" en "don't come around - leave me alone". Si bien esto fue anterior al ADT (Automatic double tracking, que doblaba automáticamente la pista de voz) y es cierto que George tuvo que grabar dos veces la pista de voz, claramente es un error de publicación y no un error de George. Hoy por hoy, este "Meet the Beatles!" con tapa púrpura y este error en el tema cotiza oro entre coleccionistas.
Meet The Beatles!, en Stereo Canadiense con el error en Don't Bother Me
Es difícil la respuesta a cual es la mejor composición de McCartney. Posiblemente The Long And Winding Road no sea la respuesta definitiva, pero puede no estar muy lejos. Rankea sin dudas como una de las canciones más lindas, simple, melancólica, interpretada muy sentidamente por Paul. En el contexto histórico de la banda también es significativa: fue la canción que definitivamente separó a la banda.
La canción es simple, no tiene ningún secreto ni misterio; es bella de por sí, con un juego y un uso hermoso de los acordes menores y mayores todos sobre escala de mi bemol. No tiene ni un excesivo virtuosismo ni una complejidad melódica muy ambiciosa, es una de esas canciones que sirven como prueba para cualquier compositor: con muy poco se puede hacer mucho. La canción es melancolía pura y Paul sabe como meter las palabras exactas con la musicalidad exacta para llegar al corazón y posiblemente sea lo más lindo de la canción. Como el "lead me to your door" llega justo con la tónica, como el "cryin' for the day" suena sobre un acorde de séptima, como el "but still they lead me back" suena sobre el do menor después del mini-estribillo en acordes mayores son todas cosas que parecen meticulosamente preparadas. Personalmente me encanta el Ab/Bb (el chan-chan que suena después de la primer frase de la canción).
La canción, como todas esa joya de Paul, fue ensayada miles de veces durante las Get Back sessions, pero a diferencia de sus otras "preferidas" (Maxwell's silver hammer, Obladi Oblada) esta era tan buena que la banda no podía quejarse, sabían que era una verdadera balada que iba a gustar, sin embargo, y salgo a la defensa de Paul: la canción fue saboteada (verbo que tomo de Ian Macdonald) totalmente.
Entre todos esos miles de ensayos las mejores versiones que quedaron fueron una del 26 de enero y otra del 31, cada una con dos versiones.
Versión Glyn Johns
26 de enero de 1969
Paul McCartney (piano, voz)
John Lennon (Bajo Fender bass)
George Harrison (Guitarra Fender Telecaster)
Billy Preston (órgano)
Ringo Starr (batería)
Publicación: En el inédito "Get Back" de Glyn Johns y posteriores bootlegs
Versión Glyn Johns, 26/01/69, posteriormente en Anthology 3
Originalmente el álbum iba a ser producido y mezclado por Glyn Johns, que eligió la primer versión del 26 e hizo una producción bastante aceptable del tema. Insertó, además, adelante la famosa frase de John en la película "Are we supposed to giggle in the solo?" ("¿debemos reirnos en el solo?"). La principal diferencia con la versión posterior es que el intermedio Paul lo recita ("many times I've been alone").
En esta versión se escucha muy bien a la banda en general, especialmente la guitarra de George rasgueando, y si bien no es la mejor interpretación; una aceptable interpretación de John en el bajo. Lo de Paul, como casi siempre, es impecable. Posiblemente sea la versión más Beatle de la canción, sin añadiduras y cruda como querían que sea el proyecto Get Back.
Hubiera sido una versión absolutamente aceptable para el LP de la banda y, si bien no era la toma preferida de Paul, no hubiera causado los problemas que la versión de Let it be causó.
Johns no fue el productor y el disco terminó, como sabemos todos, en manos de Phil Spector...
Versión Phil Spector
31 de enero de 1969
Paul McCartney (piano, voz)
John Lennon (Bajo Fender bass tocado desastrozamente)
Publicación: Let it be (disco), The Long And Winding Road/For You Blue single, One
Versión final publicada en el simple y en el LP
La famosa versión de Spector, la que todos conocemos con el muro de sonido encima. Una rápida comparación de la versión anterior nos da la impronta de cuánto arruinó Spector al tema. Se dice que Spector "maquilló" el horrible bajo de John con la instrumentación, que sí, seguramente funcionó pero además maquilló todo el tema. La instrumentación es totalmente excesiva, con algunas cosas hasta grotescas (la primer corista en el primer verso, por ejemplo) y arruina ese clima íntimo que da el tema. El arpa está completamente de más, las coristas al final del intermedio distraen, las cuerdas tan fuertes arruinan ese sutil acorde de Paul del que hablaba antes (el Ab/Bb), el violín que marca la melodía es innecesario, lo único que quizás se puede destacar son las trompetas, que son sutiles y acompañan bien. Para colmo, sacó una pista de voz de Paul para poder meter sus muro de sonido y sacó directamente al resto de la banda del medio, ni George ni Billy Preston pueden ser oídos para nada. Conocida es la historia, Paul enloqueció al escuchar esto y dio por finalizada la banda lavándose las manos de semejante aberración. Más inoportuna aún fue la aparición de su muro en I Me Mine, pero George fue más reticente al respecto.
Es cierto que la versión original era un poco "cruda", pero era innecesario semejante instrumentación que le sacó toda la intimidad al tema y, como si fuera poco, terminó de rebalsar el vaso en una banda llena de problemas.
Posteriormente es curioso que Paul en vivo usó una pequeña parte de la instrumentación (aunque adaptado a su piano en vivo) pero siempre fue totalmente reacio a esto.
Versión Let it be Naked
31 de enero de 1969
Paul McCartney (piano, voz)
John Lennon (Bajo Fender bass)
George Harrison (Guitarra Fender Telecaster)
Billy Preston (órgano)
Ringo Starr (batería)
Publicación: Let it be (la película), Let it be naked
Extracto de Let it be, la película
Esta, la versión de la película, es la versión original de Let it be sin la horrorosa orquestación de Spector. La versión es muy linda y entre todas las tomas que tocaron en el mes de grabación de Get Back fue la más seria, fuera del bajo de John repleto de errores, los cuales no tienen mucho sentido si se tiene en cuenta que anteriormente había tocado el tema sin ningún problema, o al menos sin tanto problema. El solo de Billy Preston con Paul tarareando de fondo es sumamente lindo y lo más lindo de esta versión. A diferencia de la del 26 de enero es muchísima menos cruda.
El lanzamiento de Let it be naked en 2003 (casi exclusivamente para poder sacar esta versión) volvió a reflotar el tema Spector/McCartney, con la mayoría de elogios para Paul al escuchar esta versión. Hasta Ringo, que en su momento fue neutral ante la postura Spector, no tuvo más que elogios para la hermosa versión en crudo de la canción.
Versión Anthology
26 de enero de 1969
Paul McCartney (piano, voz)
John Lennon (Bajo Fender bass)
George Harrison (Guitarra Fender Telecaster)
Billy Preston (órgano)
Ringo Starr (batería)
Anthology 3, publicado en 1996
La versión original de Glyn Johns, esta vez producida por McCartney. Sin el diálogo inicial, con mucha más textura y seria, es una versión genialmente producida por McCartney. Si en la original de Get Back se escuchaba la guitarra de George ni hablar de esta. También se sacó las voces extra y todo eso que hacía "una versión en directo" la primer versión del 26, que incluía casi en crudo las cintas originales teniendo en cuenta el leit-motiv del proyecto Get Back: grabar todo tal cual sonaba. Sobre esta, tengo mis dudas si fue re-mezclado con las pistas separadas, especialmente por el alto volumen del órgano de Billy Preston a diferencia de la versión anterior que solamente se lo escuchaba en el solo intermedio.
En su momento fue bastante causó un boom escuchar la versión limpia, teniendo en cuenta que fue la primera vez que se publicaba oficialmente el tema sin tener la orquestación de Spector, por eso se nota tanta producción en esta versión.
What You're Doing es una de las canciones que más demuestra el poder innovador y creativo de la banda (y de Paul). Porque siempre que se habla de Los Beatles como una gran banda se trae a colación los temas de siempre, Sgt. Peppers bla bla bla, pero muchos temazos, como este, con pequeñísimos detalles que marcan la diferencia, pasan desapercibidos. Ya alejados de hacer tantos covers había que componer más y más canciones para llenar los discos, y entre tantas composiciones surgían pequeñas experimentaciones (tanto musicales como de ritmo) como en esta canción. Dos versiones se hicieron, la primera en septiembre del 64 (la toma 11) y la definitiva, un mes después.
What You're Doing, toma 11
Lo principal que recalco de la canción es su estructura. Musicalmente la canción es bastante simple, y si bien sigue la estructura aaba (verso, verso, puente, verso) con un verso extrañamente de 9 compases, la manera en que pasa de una parte a otra de la canción no deja de ser novedosa. Además la mezcla es bastante especial, la fuerza que tiene el bajo y la batería es inusitada para la época y más aún para la banda, esto especialmente se nota en la primer versión y después un intento así quedaría plasmado en la versión final de She's a Woman. También es una de las primeras canciones en las que se nota la influencia de Paul en los detallados arreglos por parte de toda la banda y en la producción del tema, cosa que terminaría de explotar en Let it be (I'll play what you want or I won't play at all, le disparó George al querido Paul en la película). Si bien la canción está acreditada como Lennon/McCartney (50/50, como le gusta dividir en porcentajes a Paul) sin duda es una canción McCartney en todo su esplendor. Desde la batería, compuesta por Paul y enseñada a Ringo (como pasó con Ticket to ride) hasta el riff de guitarra y el solo de piano, todo 100% McCartney y tocado específicamente como el quería. Y así de genial quedó (estas y otras tantas canciones). Un tema marcado por su genial y característica intro de batería con toms con posterior repetición del mismo patrón rítmico a lo largo del tema hasta el corte final donde queda solo la batería, se repite la intro, y entra la guitarra de nuevo. Esto aparentemente fue idea de Paul y exigió mucho a Ringo tocar un patron predeterminado impuesto por otra persona. La intro de guitarra (sí, también compuesta por Paul) no tiene ninguna relación con la melodía de la canción, haciendo su sonido bien particular. El uso reducido de armonías vocales, a diferencia de la toma 11, en la versión final tiene el toque justo. En la toma previa, John cantaba la armonía baja constantemente en el tema, haciendo casi dos melodías diferentes (como en Baby's in black). Finalmente se decidió recortar esto y hacer una armonía triple con George solo en la primer nota de los primeros versos, casi a modo de grito de auxilio (you! - I'm! - and! - please!) algo que funciona perfectamente para terminar preguntando "¿qué me estás haciendo?". Técnica similar usada en Help!, tiempo después. La primer versión igualmente también tiene lo suyo, especialmente porque deja a Paul solo en la voz recién en el puente (I've been waiting..) y John recién vuelve con una hermosísima armonía en el it's meeee-e-e-ee haciendo la melodía correspondiente mientras Paul canta la nota alta. El corte en la primer versión es muchisimo más abrupto (de hecho, el tema podría terminar facilmente en 1:47) y vuelve con la batería con el ride bien fuerte. Esto si bien queda bien, supongo que era demasiado "crudo" como para dejarlo en un disco, al menos para la época. También el solo es bastante improvisado, modulando un tono y repitiendo siempre la misma, aunque por suerte no está ese piano bastante rústico que suena en la versión final. El tema, hoy por hoy, es un tapado. Nunca más fue tocado en vivo ni en la radio ni tampoco muy mencionado posteriormente, el único revival fue su reedición en Love, en el 2006, en un remix junto con algunos temas en el mismo tono. La mejor versión que se puede escuchar; la magnífica mezcla mono (de los remasters 2009) con la pista rítmica bien al frente y con mucha fuerza:
Hoy hace 46 años los Beatles editaban el disco más influyente de su carrera, el mejor de todos los tiempos según la Rolling Stone y revista Time, disco del milenio (sí, milenio) según The Guardian, y top 10 como mínimo de cualquier ranking musical que se precie: Sgt Pepper's Lonely Hearts Club.
Se puede hablar de una verdadera revolución, en casi todo sentido. Lírica, con planteos existenciales y letras que dieron pie a una nueva visión del mundo desde una manera artística que impulsó un verdadero cambio. Basta ver la lista de álbums mainstreams de rock que salieron después de este, y como cambió la concepción de hacer música pre y post Sgt. Peppers. Basta ver el chart de 1967 y como los Beatles estaban años luz de cualquier otra canción del momento. Con cientos de innovaciones técnicas (pedales wah wah, fuzzbox, ADT, varispeeding) el disco tardó más de 100 días en grabarse causó también una verdadera revolución técnica. Fue el primer disco que la banda dedicó al 100% su tiempo, el primer disco verdadero "de estudio". Discutible, pero algunos autores (con Ian Macdonald a la cabeza) lo definen como "la cima" de la banda, de la que posteriormente irían cayendo hasta 1970.
El disco, fuera de lo obvio y de lo ya dicho más de 100 millones de veces, es un magnífico disco. De principio a final, incluyendo todos los temas "tapados" de los que no se suele hablar normalmente, Getting Better, Fixing a Hole, She's Leaving Home, Within You Without You, When I'm 64, Good Morning. Se incluye también, por concepción, a Strawberry Fields y a Penny Lane, dos canciones dejadas afuera del álbum oficial, según George Martin; "el error más grande de mi carrera".
Desde un lado conceptual, es super interesante como MacDonald en su libro plantea el disco en general como una regresión a la infancia en el norte inglés, Liverpool. La tapa ya es presentada como un arreglo floral norteño (Paul contaba que solía ver muchos relojes hechos de flores cuando era chico y le gustó la idea como la tapa). En las canciones esta idea reflota en casi todo el disco; el recuerdo literal de la infancia en Strawberry Fields Forever/Penny Lane, la ansiada y pacífica vida norteña de When I'm 64, las referencias escolares de Getting Better, el intermedio de juventud liverpooleana de A Day in the life y más.
Es muy difícil intentar pensar como sería la música moderna sin la aparición de este disco, como dijo Charly, fragmentó la conciencia de la gente y abrió la mente a una nueva manera de hacer música. Hubo muchísimos discos buenos, y quizás de una manera objetiva, puede haber discos mejores, sí, pero lo que es cierto es que Sgt. Peppers fue el primero, el primero que se animó a introducir un cambio en la mente del público y poder llevar la música más allá.
